El Metropolitan vuelve a poner al Coloso de Goya en el centro de un debate científico

De la muestra que se prepara en Nueva York hablamos por algo relevante: se titula «Goya’s Graphic Imagination (la imaginación gráfica de Goya)» y reunirá en febrero de 2021, en el Metropolitan Museum , más de un centenar de obras que vuelven a reivindicar al artista español como uno de los más insondables y rabiosamente actuales de la historia.

Un detalle sorprende al mundo del arte, han elegido como portada la aguatinta titulada «Gigante sentado», una estampa muy especial que, además, vuelve a considerarse obra «hermana» de «El Coloso». Sería una vuelta del artista a un motivo anteriormente pintado: ese motivo no es otro que «El Coloso», de Goya por tanto, aunque la cartela del lienzo en el Prado aún no admite el retorno de esa autoría, porque una de sus especialistas decidió ponerla en duda en 2008, con gran polémica.

Manuela Mena , antigua jefa de Pintura Española y Goya del Prado, cambió la datación del «Gigante» (la estampa) y lo trasladó a 1800, comparándolo con los Caprichos. De ese modo le fue más sencillo asegurar que el Coloso era una pintura de un seguidor de Goya (Mena aseguró que tenía indicios de que el autor era Asensio Juliá, pero no acertó a demostrarlo).

En su opinión, Juliá se habría inspirado en la vieja estampa del Gigante de Goya. Todo ello fue anunciado con una extraña estrategia científica: en una rueda de prensa. Y se tardó casi un año en lograr que el Prado publicase -en su web- un texto formal defendiendo la nueva teoría. Pero la cartela ya se había cambiado. La nueva teoría fue rápida y contundentemente contrariada por investigaciones de estudiosos como Nigel Glendinning, Jesusa Vega , Carlos Foradada ... No hubo ni hay, desde luego, unidad en torno a aquel movimiento del Prado.

Después de unos años, la estampa del «Gigante sentado» vuelve ahora a la portada de la próxima exposición del Metropolitan de Nueva York, un proyecto sobre las estrategias visuales de Goya que no tiene por misión corregir a nadie pero que estudia los contextos de las obras bajo nueva luz . Así avanza la ciencia. En el catálogo participan tres autores españoles. Y el Gigante vuelve a datarse en 1818-1825, después de señalar algunas diferencias con los Caprichos, bastante relevantes. El uso de la técnica de aguatinta no semeja el que Goya utilizaba en los albores del siglo, mezclado con dibujo. Aquí esta la aguatinta sola, magistral y coherente con la etapa posterior. Eso obliga a pensar, en opinión de los especialistas que han aportado sus reflexiones en este proyecto transatlántico, si Goya estaba volviendo sus ojos, en lo más álgido del periodo absolutista fernandino, al gigante pintado en el Coloso , entonces representación del genio protector del pueblo español y ahora como una figura melancólica que debe volver a despertar en un tiempo de nuevo incierto.

El comisario de la muestra del Metropolitan, Mark McDonald se muestra feliz con la posibilidad de reunir tantas obras importantes. Sobre la estampa en cuestión, afirma: «Sí creo que el “Gigante” está muy relacionado con “El Coloso“ del Prado. Elegí esta imagen [para la portada] porque es mi estampa favorita. Está realizado íntegramente en aguatinta y llama la atención por su intensidad contemplativa. El gigante es capturado en un momento de transición que es fundamental para la eficacia de la imagen y su atmósfera inquietante. Con los brazos apoyados en las rodillas y de espaldas al espectador, vuelve la cabeza hacia nosotros como si despertara de un pensamiento profundo, un sueño o un abatimiento. En cierto sentido, r esume la profunda originalidad de Goya. Nos quedamos reflexionando sobre su significado. No hay inscripción al pie, ni título, y se conocen muy pocos ejemplares. El gigante encarna todo lo brillante de Goya, su capacidad para atraer al espectador sin articular claramente un tema . Su misterio y atmósfera contemplativa es clave para su éxito».

El conservador del Met da relevancia al trabajo en equipo con Jesusa Vega, Mercedes Cerón-Peña y Francisco J. R. Chaparro. «Es muy importante. A veces es difícil que el trabajo y los conocimientos de los académicos españoles lleguen al público en inglés. No se traduce y permanece inaccesible. Este proyecto fue una oportunidad para dar a conocer ese trabajo. Conozco a Jesusa desde hace muchos años y la considero una de las mayores expertas en Goya del mundo . Los otros dos colaboradores son académicos jóvenes y emergentes».

Mark McDonald considera el arte de Goya «universal y atemporal. Aborda temas y escenas que son tan relevantes hoy como cuando los creó. Sus grabados y dibujos examinan la esencia del ser humano, qué somos, qué nos motiva, qué nos define . Por eso, en nuestro mundo convulso y turbulento, su arte gráfico nos ayuda a reflexionar sobre lo que somos», todavía. En su opinión esa actualidad se debe a que «gran parte de lo que observó también se puede identificar hoy. Su arte nos hace cuestionar, ¿qué ha cambiado? ¿Cómo evoluciona la sociedad? ¿Nos enfrentamos continuamente a los mismos problemas?».

Goya sigue desafiando a quien quiera domarlo, reducirlo a una fórmula. «Estaba fascinado por el ser humano, sus acciones y sus consecuencias. Goya poseía una visión nítida como un láser que le permitió diseccionar y analizar el comportamiento . Vio las muchas fallas y triunfos de la humanidad. Con el grabado y el dibujo exploró esos temas de manera única», añade McDonald.

Los dibujos del genio de Fuendetodos son imágenes de su pensamiento: «No todas sus series de grabados estaban destinadas a ser publicadas (algunas solo se publicaron mucho después de su muerte). Sus dibujos eran esencialmente privados. Le permitieron reflexionar y meditar . Podemos rastrear sus intereses y preocupaciones actuales a través de sus grabados y dibujos».

Por eso no era raro que Goya revisitara temas ya expresados: «Volvió a temas que le interesaban , un espacio en el que podía contemplar y crear con libertad». No obstante, afirma McDonaold, «no creo que jamás sea posible comprender plenamente a Goya y la profundidad de su arte. Su complejidad permite un nuevo significado para cada generación. No fue intencionalmente oscuro, pero la perspicacia de su visión creó expresiones complejas. Es muy importante entender que en gran parte de su trabajo no hay un tema específico ni claro. Su imaginería es alusiva y sutil y puede surgir significado en ausencia de sujeto».

Preguntado el director del Prado sobre el futuro de «El Coloso», ve con simpatía las nuevas investigaciones y anuncia que durante 2021 el museo realizará una revisión de sus colecciones para actualizar el montaje actual. «Antes de verano tendremos el nuevo montaje de la pintura del siglo XIX y espero que después del verano llegue el momento del XVIII y de la obra de Goya. La decisión se tomará tras el estudio y propuesta de Miguel Portús, pero espero que el año que viene salgamos de dudas», comenta Falomir. En una entrevista nada más llegar al cargo, en 2017, ya aventuraba que tendría que ser revisado.