El Museo Thyssen desvela los misterios que oculta el 'Caballero' de Carpaccio

Durante 2020 y hasta marzo de este año, las restauradoras Susana Pérez y Alejandra Martos han trabajado en la puesta a punto de este impresionante óleo sobre lienzo (218 por 151,1 centímetros) , 'encerradas' en una gran urna de cristal en la sala 11 de la pinacoteca. Estaba programada en esa misma sala una exposición con los resultados del estudio técnico y la restauración, pero debido a la pandemia hubo que aplazarla hasta ahora. 'El Caballero de Carpaccio. Restauración y estudio técnico' , que podrá visitarse hasta el 1 de noviembre, presenta una instalación especial, diseñada por Frade Arquitectos , a modo de capilla: junto al lienzo restaurado, se proyecta un vídeo que explica e ilustra la intervención y los resultados obtenidos gracias al estudio técnico. Y, encerrada en una vitrina en la sala, una espada similar a la que luce el caballero en el cuadro, cedida por la Real Armería, de Patrimonio Nacional.

Hasta 1919, cuando estuvo en la colección Vernon-Wentworth, se creía que el cuadro era obra de Durero , ya que en él aparecía el monograma del artista. Pero resultó ser falso. Además, en el reverso de la tela original figuraba, en letras de considerable tamaño, 'A. Durer ', visibles en la radiografía del cuadro. Tras pasar por las manos del marchante londinense Sully y del coleccionista americano Otto H. Kahn , el padre del barón Thyssen lo compró en 1935, junto a otras dos obras de Kahn: un Botticelli y un retrato de grupo de Frans Hals. Durante los trabajos de limpieza y restauración llevados a cabo en 1958, aparecieron dos 'cartellinos' bajo antiguos repintes: uno con la firma de Carpaccio y la fecha de ejecución; otro, con la inscripción ‘Malo mori quam foedari’ (Antes morir que ser deshonrado), junto al armiño.

La identidad del personaje central del lienzo sigue siendo un misterio. Y eso que candidatos no han faltado: desde San Eustaquio (bajo este título aparecía en la subasta celebrada en 1919 en la sala Christie’s) a Fernando II de Aragón (el armiño es un animal vinculado a la dinastía), pasando por el príncipe Antonio de Montefeltro, Francesco Maria della Rovere, tercer duque de Urbino, o el capitán veneciano Marco Gabriel , de una familia patricia. Aunque no hay ninguna confirmada, esta última parece la tesis más plausible. La expuso en 2017 Augusto Gentili en el catálogo de la exposición 'El Renacimiento en Venecia', celebrada en el Thyssen. Cree que el retratado es el capitán Marco Gabriel, destacado en la defensa de la plaza fortificada de Modone , uno de los puertos estratégicos de Venecia, frente a las incursiones otomanas, donde fue capturado. Fue trasladado a Estambul , donde se piensa que pudo ofrecer sus servicios al enemigo. Murió decapitado . La ciudad amurallada pintada por Carpaccio podría ser una versión idealizada de la plaza. Las cartas que porta el caballero en una bolsa de color rojo podrían ser las que enviara el capitán pidiendo ayuda. Y el hombre a caballo que aparece en la parte izquierda del lienzo podría simbolizar el propio alma del caballero. En suma, se cree que podría tratarse de un retrato póstumo en memoria del célebre capitán para restituir su honor.

Era uno de los cuadros favoritos del barón Thyssen y uno de los primeros retratos de cuerpo entero de la pintura europea. Aborda en él Carpaccio la simbología del bien y el mal , el honor, la moral... Todo el lienzo está repleto de símbolos, como explica Ubaldo Sedano , director del departamento de restauración del Museo Thyssen: un ciervo (este animal representa a Cristo y también a los mensajeros de las almas), un perro blanco (el bien) frente a un perro oscuro (el mal), un halcón frente a una grulla (simboliza el sacrificio), un caballo (prepotencia, petulancia) frente a un pavo real con la cola recogida (contención, humildad), pájaros que simbolizan el yin y el yang...

Luce el caballero una armadura con dos piezas: la superior es de origen italiano; la inferior, tedesco. La espada es la que divide los dos mundos simbolizados en el cuadro. Nunca ha salido del Museo Thyssen. Lo hará por vez primera el próximo año para la antológica de Carpaccio que le dedicará la National Gallery de Washington en conmemoración del quinto centenario de su muerte . Además, está previsto que un 'facsímil' del cuadro (una reproducción de altísima calidad a tamaño natural), junto con el estudio técnico y la investigación, se lleve a otros lugares de España.

Antes de la restauración, se hicieron los pertinentes estudios técnicos : radiografías, reflectografía infrarroja, análisis en el laboratorio... Se tiene constancia de que se había restaurado en un par de ocasiones. Esta es la primera vez desde que ingresó la Colección Thyssen en España en 1992 (fue comprada por el Estado español al año siguiente). El cuadro presentaba algunos problemas con el soporte. La obra original consta de dos lienzos de diferentes medidas unidos en vertical . La parte de la izquierda es mayor (unos dos tercios de la superficie total) que la de la derecha (un tercio). Además, la obra fue reentelada en época antigua.

Las zonas más afectadas son las del perímetro del cuadro. Hubo que añadir injertos . Era preciso consolidar la capa pictórica y la reintegración cromática (se hizo con acuarela) de las muchas micropérdidas de pintura . Uno de los principales escollos al que se enfrentaron Susana Pérez y Alejandra Martos es la finísima capa de pintura que se ha conservado, unido a que la tela también es muy delgada . Hubo que trabajar con más precaución si cabe que de costumbre. La limpieza de la superficie pictórica y la retirada de los barnices oxidados con los disolventes más adecuados han eliminado el tono amarillento del cuadro, que aplanaba la perspectiva (ha recobrado la profundidad de la composición original), y ha salido a la luz el rico colorido de las obras de Carpaccio. La pintura se volvió a barnizar con un barniz transparente. Para la bellísima armadura del caballero, Carpaccio utilizó estibina , un pigmento que favorece el efecto metálico. Demuestra el gran conocimiento del oficio que tenía el pintor. María Jofré se ocupó de restaurar el marco .

Los trabajos se llevaron a cabo por áreas, minuciosamente, debido a la multitud de elementos que hay en la composición: flores, plantas, animales... En cuanto a lo s arrepentimientos o cambios de composición entre el dibujo subyacente y la pintura original, el pintor eliminó un segundo ciervo de gran tamaño en la escena en la que un buitre devora a un cervatillo. También desapareció en la escena final un caballo más pequeño, sin jinete, que había en la parte izquierda del cuadro. Además, se detectaron arrepetimientos en la posición del armiño y en la figura del caballero: en el dibujo original miraba directamente al espectador y sujetaba con firmeza la espada.