Las diez mejores películas de 2012

Después de un 2011 sobresaturado de cine de animación, 2012 ha trazado un garabato algo extraño: Pixar levemente desdibujada («Brave»), DreamWorks dando una de cal (la inesperadamente brillante «Madagascar 3») y otra de arena (la notable, aunque pelín intrasdescente «El origen de los guardianes»), el cine español recogiendo laureles mientras que tira a la basura una joyita como «O Apóstolo»... Y, en mitad del fárrago, un unicornio. O, mejor dicho, un dodo: los «¡Piratas!» de la alegre factoría Aardman. Lanzada a los tiburones de la cartelera «ferragosteña», esta maravilla contiene todos los ingredientes para encandilar a grandes y chicos: una historia cachonda y darwiniana, una técnica perfecta, unos personajes ingeniosos, un nivel de detallismo brutal y, sobre todo, un dodo como irresistible «macguffin». Solo con este detalle ya nos tiene ganado el corazón.

La última película del húngaro Béla Tarr, "El caballo de Turín" (y que seguirá siendo la última, según el propio director, por los siglos de los siglos), ha sido la gimnasia cinematográfica más extrema del año y la más brillantísima caminata por los bordes del lenguaje fílmico. En apenas treinta planos asombrosos, en un blanco y negro helador, con un gurruño de diálogos no dichos y con una música subyugante, redundante y mareante que punteaba la rutina de la fatalidad, construía una idea de futuro siempre por detrás y le producía al espectador una sensación de soledad infinita. Obra cumbre, obra terminal, fin de obra de un director irrepetible.

Alexander Payne comenzó este 2012 con una de esas películas fastuosas, un drama descolocado en un Hawai desprovisto de sus habituales tópicos y con un personaje, Matt King (que interpreta el mejor George Clooney con camisa hawaiana), enfrentado a sí mismo, a sus raíces, a la idea de pérdida de su mujer y a la de encuentro con sus dos hijas. El director de "Entre copas" consigue que el dulzor del paisaje y del clima se combine con el amargor interior de los personajes, y que la emoción empape toda esa historia familiar llena de claroscuros y de destellos de lucidez, con un texto (en "off") sorprendente y con un sentido del humor que reconforta y desgarra al tiempo.

Pueden dar vueltas alrededor de la piedra filosofal, darle golpes, quebrarla, machacarla. Da igual, no encontrarán la esencia del éxito. “Intocable” la encontró, por dentro, por fuera, alrededor. Todo huele a genuino, a química, no solo entre ellos, sino también entre ellos y los ojos que lo ven, la vida que se les intuye, esa reconciliación con todo lo que debía ser intocable pues está en el polo opuesto. Es probable que “Intocable” ahonde en el alma de la humanidad porque es lo que quisiéramos que sucediera aquí y allá, el lado oscuro que es gris casi blanco, el hombre piedra y duro que es blando y suave como el raso. Y que todo sea paz, armonía, eso que no encontramos en el día a día. Por eso nos place, nos regocija, nos llena de optimismo. Por eso y por un guión brillante, por un desparpajo imparable y, sobre todo, por dos actores excelsos, llenos de vida, humor y locura. Y sí, luego todo se acaba y volvemos a la cruda verdad, que es la gran mentira de esta vida.

No se engañen, este trabajo no existiría de no existir Brendan Gleeson. Y tampoco se molesten en repasar la lista de actores para ver si alguien podría hacer este papel. No hay, al menos con ese convencimiento brutal de que él es el papel, no al revés. Es Gleeson el que ha prestado su personalidad y su corpachón para crear la historia de este tipo que ya se le adivinaba. McDonagh lo vio y percibió que tenía pinta de irlandés chungo pero chungo, de estos que les da igual tres que treinta y tres. Entendió que era fácil. Solo había que escribir algo alrededor de un tipo así. Habría dado igual el libreto, la trama, buenos, feos, malos, regulares... Es el tipo duro, descarnado, corrosivo, pasado de rosca cien veces más que Clint, Bronson o Statham, el que aviva esta llama de una película sacada del contexto general, de los circuitos, del dinero, de todo. Solo Gleeson y ese duro caparazón de granito. Claro, es que es irlandés.

'Holy Motors' es, quizá, la película más controvertida del año 2012. Desde su estreno en la sección oficial del Festival de Cannes, los críticos de todo el mundo han estado batallando sin tregua: hay quienes la aman sin remedio, hay quienes la odian sin medida. Y nosotros optamos por el primer bando. Leos Carax compone un universo embaucador en el que todo está permitido. El protagonista, Denis Lavant, es un hombre que atraviesa París en una limusina-camerino, y allí prepara los disfraces que necesita para sus diferentes 'misiones'. En unas jugamos con los límites de la realidad y la ficción; en otras, con la frontera entre la muerte y la vida; pero todas las imágenes son perturbadoras y duraderas en la memoria. Y si a esta gran experiencia sensorial le añadimos los cameos de Eva Mendes y Kylie Minogue, la película se convierte en un 'must' para defenderse en las sobremesas cinéfilas de la Navidad.

No se puede entrar al cine a ver 'Los miserables' sin un requisito previo: hay que ser amante del género musical. Hay que tener el cerebro y los oídos preparados para 150 minutos de canciones encadenadas. Si cumple esta premisa, el espectador disfrutará como un niño con el monumental castillo de emociones que nos ha preparado Tom Hooper, el oscarizado director de 'El discurso del rey'. Hugh Jackman y Anne Hathaway componen unos Jean Valjean y Fantine de leyenda, cantando en directo durante el rodaje y poniendo los pelos de punta con unos primeros planos -'I dreamed a dream'- que no soportaría cualquier actor. Es cierto que Russell Crowe no está al nivel dramático de sus compañeros, pero... ¿qué importa si, a cambio, descubrimos a un portento como el joven Eddie Redmayne, que afianza el buen sabor de boca que nos dejó en 'Mi semana con Marylin'? A Víctor Hugo le parecería que esta sí es su historia.

Es muy fácil escribir bien de determinadas películas o, mejor dicho, es difícil hacerlo mal. «Arrugas» trata la enfermedad terrible del Alzheimer y lo incorrecto sería ponerla a caldo, porque parecería que el crítico no tiene sensibilidad. Con la cinta de Ignacio Ferreras, que adapta el estupendo cómic de Paco Roca, el alivio y hasta la alegría llegan al comprobar que los valores cinematográficos están a la altura de la causa. El cine español se había aproximado en los últimos años al asunto con la comedia agridulce «Y tú quién eres?», de Antonio Mercero, pero «Arrugas» va un paso más allá. A partir de la historia de dos ancianos en un geriátrico (hay que tener valor para llevarla algo así al cine, en una película animada para adultos, sin 3D ni gaitas), se logra explicar con clarividencia lo que pasa por la cabeza, y lo que se pierde en el camino, de las víctimas de esta lacra tan extendida. La película tiene la ternura justa e inteligencia de sobra para no conformarse con buscar la complicidad más sencilla. Que tanta ambición salga bien es ya un pequeño milagro que dice mucho del talento de sus responsables.

En un verano sin grandes alegrías, de las frías tierras del norte nos llegó esta originalísima pieza de crímenes y humor negro, muy superior a otras sagas suecas, luego mejoradas en Hollywood (con David Fincher es todo más fácil). En la noruega «Headhunters» nos cuentan la insólita historia de un cazatalentos que aprovecha sus entrevistas y su información privilegiada para robar las obras de arte de sus víctimas. A partir de un punto de partida poco común, al menos por el modus operandi del ladrón, y con un personaje principal que (también) habría bordado Steve Buscemi, Mortem Tyldum consigue eso tan difícil de sorprender todo el rato sin anticipar nunca su próximo paso. En su afán innovador, la película roza el esperpento, como en la genial escena del perro y el tractor, pero a su extravagante manera el vehículo consigue no descarrilar y conduce al espectador por la carreteras nevadas del alma durante cien fugaces minutos.