Críticas de los estrenos del viernes 7

El Holmes de Garci es sorprendentemente suyo sin dejar, claro, de ser de Doyle; a pesar de que sostenga más el cigarrillo que la pipa, de que no exprese lo elemental y de que use el inglés en contadas y brillantes ocasiones. Creo que Gary Piquer consigue que el personaje se meta en su piel hasta la última gota de su esencia, y que, además, le añada otros fluidos inesperados (ese romanticismo esquivo, ese residuo de desesperanza, esa aceptación del fracaso...); en cambio, Garci construye un Watson (o José Luis García Pérez) sorprendente, muy alejado del original y de una modernidad diluida en su papel de contraplano. No es un testigo: es lo siguiente, lo que vendrá tras Holmes. La peripecia de estos personajes en Madrid es una excusa de Garci para conectar un lugar y una época del pasado con las inquietudes del presente y del futuro. La intriga, los asesinatos, las pesquisas nos llevan a la portada de mañana de cualquier periódico, y escenas como la de Holmes y el Marqués de Simancas (espléndido Manuel Tejada) tienen la vocación de un editorial.

Sí se aprecia claramente en estos Holmes y Watson madrileños que el director ha invertido en ellos más sentido del humor que presupuesto, y viajan en postales, un recurso que rezuma buen gusto, clasicismo y, claro, provocación para los «modistos». Y escenas como la de Galdós (Hipólito es grande siempre), como la del cocido de L’Hardy o como las sofisticadas con Irene Adler le dan a la película una apariencia, un efecto superproducción, un empaque, tan engañoso como gracioso. Probablemente, con el dineral que le sobra al Holmes de Guy Ritchie hubiera podido viajar más cómodo el de Garci, pero, a cada cual lo suyo.

El papel de la prensa, el papel de los políticos, el papel del futuro (papelillos que se dan como adivinanzas), el papel de la mujer y hasta el de la gastronomía o las costumbres pugnan aquí por tener la importancia de un personaje, por quitarle a Holmes el protagonismo. No era fácil construir una aventura de Holmes que no se pareciera a ninguna otra, pero aquí la tienen.

«TODOS TENEMOS UN PLAN» **

FEDERICO MARÍN BELLÓN

Película extraña esta de Ana Piterbarg, cuyo acento –o escasez de– parece más uruguayo que argentino, con aliño español, un regusto a «El secreto de sus ojos», una estrella políglota al frente y un toque que evoca a los Coen más negros. Desconcertará a parte del público, por desgracia, que buscará diálogos a los que asirse y una intriga más peliculera, menos de ensayo.

La primera sorpresa, el doble papel de uno de los actores, ha recibido tanta publicidad que quedará anulada, para bien y para mal. El tono sombrío y pesimista, el drama violento que eclipsa su lado romántico y, sobre todo, la morosidad de su desarrollo, crearán alguna insatisfacción mayor al espectador menos paciente.

«Todos tenemos un plan» contiene más virtudes que algunas filmografías completas, pero no siempre afloran, como la belleza de esa chica de manos preciosas o clavícula deslumbrante a la que, sin embargo, no podemos dejar de mirar la nariz. Luego están los personajes y el reparto, dominado por un poderoso Viggo, aunque el «gallego» del cuento es Godino, un tipo único por su habilidad para hacerse notar frente a los más grandes. Soledad Villamil y Sofía Gala se reparten la escasa cuota femenina, cada una en su espacio, y se aferran al recuerdo del espectador, anhelante de oxígeno en una atmósfera de muerte y maldad, de sangre fácil. Yal fondo, asuntos trascendentes, robos de identidad y parejas en crisis, mujeres valientes y gemelos distantes, la muerte como oportunidad imposible de volver a empezar.

«DREDD» *

ANTONIO WEINRICHTER

El inicio recuerda una de esas distopías típicas de Philip K. Dick: un futuro posapocalíptico con un férreo sistema de clases y rencor social. Pero si Dick se desentiende de la mecánica narrativa de aparatos futuristas y violencia, aquí la función se justifica sólo por eso mismo: fetichismo por las armas y un interminable callejón sin salida para los héroes que sólo se puede saldar con el proverbial baño de sangre. Puritita pulp fiction , vamos. Así la cosa, resulta un poco inútil subrayar el aroma fascista de un juez (otro juez malo) que se toma literalmente la justicia por su mano, desdoblándose en patrullero y ejecutor. A los fans del tebeo original les preocuparán cuestiones de fidelidad intertextual o comparativas con la anterior versión de Stallone (a quien mucho recuerda el siempre enmascarado Karl Urban, desde su mueca hasta en la forma de hablar); pero para este cronista se queda en una versión regular de lo que un Carpenter solía bordar con un brazo atado a la espalda.

«THE POSSESSION» ***

A. WEINRICHTER

Vista la avalancha de hechos paranormales que se suceden, uno recuerda con una sonrisa que la película se inicia con el aviso Basada en hechos reales. Es una admonición: vivimos en un mundo moderno pero «haberlas haylas». Se nos ahorra (y no sabe cómo lo agradecemos) todo ese imaginario gótico que ya asusta tanto como el túnel de la risa pero sigue dando yuyu saber que se puede ver a un ente menos-que-muerto en una ecografía. Eso es lo que le pasa a la niña protagonista: la posee un íncubo aunque ella la pobre no se entera de nada. El calvario lo pasan sus papás, unos estupendos Kyra Sedgwick y un Jeffrey Dean Morgan que recuerda mucho a nuestro Bardem: un buen tío con cara de duro. A subrayar la economía de medios con la que nos inquieta el director, apadrinado por Sam Raimi, y la novedad de ver un no sé si auténtico pero sí folclórico exorcismo judío.

«THE DEEP BLUE SEA» **

J. CORTIJO

Ya han pasado 20 años desde que Terence Davies despachó «El largo día acaba» y como si hubiesen sido 20 minutos: el meticuloso estilo de romanticismo acolchado y tapizado con hilo fino del cineasta inglés sigue inmutable. Basándose en la obra de Terence Rattigan, Davies nos presenta la asfixiante historia de un adulterio en el Londres de los años 50, con tres patas universales: el marido calzonazos, la esposa doliente, y el amante quebradizo. Todo muy medido pero excesivamente impersonal y anacrónico, aunque su mayor logro es recuperar a la mejor Rachel Weisz, la que nos robó el corazón en «I want you» hace también muchos, demasiados, años.

«SOLO ES EL PRINCIPIO» ***

J. C.

El luminoso ejemplo de «Ser y tener» sirve como imaginario babero de etiqueta para que una nueva camada de niños con los dientes de leche aún semidesnatados exponga sus ocurrencias –desprejuiciadas y brutalmente honestas, claro– sobre el amor, la muerte, el mestizaje o Sarkozy. Presuponiendo su componente contagioso y empático, a este docudrama «experimental» (con el que algún nostálgico puede solicitar un gallifante para ciertos angelitos con sendos viejos dentro) le pesa el excesivo tiempo hasta que suena la campana del final de clase, aunque apunta pericias de enlace narrativo interesantes y nos hace recuperar por momentos la esperanza en el género humano. Y es que, ante el panorama actual, es fácil ceder el testigo a algunos de estos pequeños y preclaros filósofos y pensar aquello de «que inventen ellos».