«Reparar a los vivos»: la muerte que genera vida

Bruno Pardo Porto

Esta funcionalidad es sólo para registrados

Iniciar sesión

06/08/2017
Actualizado a las 16:27h.

Compartir

Esta funcionalidad es sólo para registrados

Iniciar sesión

Esta funcionalidad es sólo para suscriptores

Suscribete

« Reparar a los vivos » comienza con un desenlace fatal: la muerte de un adolescente, injusta, gratuita, como casi todas en la carretera. Bien podría ser la conclusión de una historia, pero después de la tragedia la vida continúa, y tenemos que soportarlo. Este es el punto de partida de la última película de Katell Quillévéré , que adapta el bestseller homónimo de Maylis de Kerangal. «Quería desplazar la muerte que solemos colocar al final del camino y colocarla en el centro, en el corazón de la vida», explica a ABC la cineasta francesa. «Me interesa la idea de que la muerte está dentro de nuestras vidas, que crea vida, que crea encuentros, que puede acercar a la gente», continúa.

En efecto, ese accidente altera muchas existencias cotidianas. Mientras los padres de Simon Limbres encajan la pérdida de su hijo, el cirujano Thomas Remige debe convencerlos de que su corazón, todavía sano, puede salvar la vida de una madre que no conocen. Así, se van tejiendo relaciones personales nacidas de la tragedia e historias (sus vidas pasadas) que urden una trama tan coral como intimista, que se detiene en los sentimientos de cada uno de los implicados. «El cine es el arte de la catarsis, de liberar emociones que pasamos la vida controlando. Aquí tenemos una historia de emociones profundas, de esa relación entre pulsiones de vida y pulsiones de muerte», apunta la directora.

Quillévéré llegó a «Reparar a los vivos» cuando se acababa de publicar, mucho antes de que se convirtiera en un fenómeno de ventas. Le convenció su tratamiento de las emociones, que rápidamente le llevó a pensar la novela en clave cinematográfica. «Adaptarla fue una decisión personal», recuerda. Después, con el éxito del libro, llegó la presión. «Sí que ha habido algo de presión en esta adaptación. Afortunadamente he seguido con mi idea íntima y necesaria que yo le veía, sin tener demasiado miedo a las voces exteriores».

La cinta se adentra en las entrañas de sus personajes evitando el discurso, explorando el poder metafórico y físico de la imagen, una obsesión en la obra de Quillévéré, que siempre trata los diálogos de forma minimalista. «Hay escenas que no necesitan diálogos y que cuando los necesitan es para decir algo importante», asevera antes de resaltar el simbolismo del agua en la película, que copa las primeras escenas surferas del metraje. «Es ese mar que nos da la vida pero que también nos la puede quitar. En francés mar (mer) y madre (mère) suenan igual. Tiene que ver con la maternidad y con el nacimiento. En esta película tenemos a una madre que pierde a un hijo y unos hijos que están casi perdiendo a su madre », subraya. Otra vez: vida y muerte.

En ese minimalismo que caracteriza la obra, destaca el poder de toda la parafernalia que rodea al trasplante. De hecho, ahí dedicó grandes esfuerzos la directora. «La novela en sí tiene una parte fundamental de documentación. Yo he querido a través de mi búsqueda prolongar este conocimiento. En todas las etapas de escritura me he entrevistado con expertos, he estado en hospitales, viendo toda la parte de reanimación, de cirugía del corazón… De hecho, todos los pequeños papeles de personal médico están interpretados por profesionales reales». Todo con un objetivo: alimentar científica y emocionalmente la película, que aborda la donación de órganos con una gran responsabilidad ética a sus espaldas. «Esta película es un himno a la vida, a los que siguen viviendo a pesar de los accidentes ».