Las 10 películas de Buñuel que impresionaron al mundo

El director más universal

«La vejez es una edad en la que ya no hay proyectos; el Martini antes de la comidas es el único proyecto diario que me queda», dijo Luis Buñuel en sus memorias. Pero al director más universal de España no se le podía pedir más, porque una vez muerto, tal día como hoy de 1983, dejó muchas de las mejores películas de la historia del cine universal.

Un genio del «séptimo arte» que vivió tiempos difíciles y cuyas películas, gustaran o no en el momento de ser estrenadas, no dejaban indiferentes a nadie. Su influencia es tan grande que si echamos un vistazo a su filmografía es fácil ponerle a la altura de los más grandes directores de todos los tiempos: Welles, Hitchcock, Ford, Kurosawa, Fellini o Bergman. Desde sus sueños más surrealistas, como la icónica «El perro andaluz», hasta las críticas más exacerbadas de «El ángel exterminador» o el discreto encanto de la burguesía», aquí os presentamos las 10 películas imprescindibles del director más admirado y estudiado de todos cuantos haya dado el cine español… y universal.

Un perro andaluz (1929)

Poco de puede decir de este corto que no se sepa. La imagen de la cuchilla de afeitar cortando la pupila de una mujer se ha convertido en un icono del cine y de la cultura más transgresora del siglo XX. «Un perro andaluz» es posiblemente el manifiesto surrealista más importante de la historia del «séptimo arte». Una obra única y de culto, basada en una colección de sueños y locuras salidas de las inquietas e imaginativas mentes de Dalí (que tenía 25 años) y Buñuel (29), cuyo título se ha sugerido en alguna ocasión que es un guiño negativo a Federico García Lorca, el hombre que supuestamente completaba este trío de genios.

Según declaraciones del propio Buñuel, se trataba de «un film antivanguardista, que nada tenía que ver con la vanguardia cinematográfica de entonces. Ni en el fondo ni en la forma. También se iba a llamar "Es peligroso asomarse al interior" y "El marista en la ballesta". Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural. Hubo 40 ó 50 denuncias en la comisaría de policía de personas que afirmaban que había que prohibir la película por obscena y cruel. Entonces comenzaron una larga serie de insultos y amenazas que me ha perseguido hasta la vejez. Adoro los sueños, aunque mis sueños sean pesadillas y eso son las más de las veces. Están sembrados de obstáculos que conozco y reconozco. Esta locura por los sueños, que nunca he tratado de explicar, es una de las inclinaciones profundas que me han acercado al surrealismo. "Un perro andaluz” nació de la convergencia de uno de mis sueños con un sueño de Dalí».

Las Hurdes, tierra sin pan (1933)

La frialdad y la mezcla entre lealtad y desapego crítico con los que Buñuel había pasado por el surrealismo, desembocó en su salida del grupo en 1933 y el comienzo de su aventura documental, con esta obra de denuncia que se ha convertido en un clásico del cine. En abril de aquel año, financiado por su amigo el artista y anarquista Ramón Acín, comenzó a filmar « Las Hurdes, tierra sin pan», gracias al premio de lotería con el que había sido agraciado.

En este documental sobre la pobre comarca extremeña, al director no le importó tanto rodar la realidad como ser todo lo crítico y remover tantas como fuera posible. La derecha y la Falange Española comenzaban a ser fuertes en España y la película fue censurada por la joven y débil Segunda República, debido precisamente a ese fuerte carácter crítico con la situación en el país. Fue el mismo año en que Buñuel firmó un manifiesto contra Hitler, junto a Federico García Lorca, Rafael Alberti, Sender, Ugarte y Vallejo.

Para realizar el documental, Buñuel se basó en la observación directa sobre el terreno. Pasó un mes y medio viviendo en la zona, estando en contacto con sus habitantes y recorriendo la región de palmo a palmo. Un método de trabajo que profundizará después en su película de «Los olvidados».

Sinopsis: Cortometraje documental que hace un retrato de Las Hurdes (Cáceres), una de las regiones más pobres y menos desarrolladas de la España de 1932. La insalubridad, la miseria y la falta de oportunidades provocan la emigración de los jóvenes y la soledad de quienes se quedan en esta desolada región extremeña.

Los olvidados (1950)

Esta película es la obra maestra de la etapa mexicana de Buñuel, en la que el director vuelve a conjugar magistralmente el surrealismo con la realidad social, logrando un retrato devastador de las clases más bajas del país presidido entonces por Miguel Alemán. Fue tal su impacto, que los sectores más poderosos de la sociedad mexicana pidieron la expulsión del director español del país.

Cuando se estrenó «Los olvidados» en el Cinema México de la capital, el 9 de noviembre de 1950, provocó el rechazo casi unánime de crítica y público, por lo que fue retirada a los cuatro días. Óscar Dancigers, productor y amigo de Buñuel, no se atrevió a asistir a la sesión, temiendo la airada respuesta de los espectadores. Tampoco acudieron los actores, ni tan siquiera los amigos y colaboradores más cercanos. La película recibió un alud de críticas que Buñuel acogió con cierta serenidad, pues tenía la conciencia tranquila: «Estrenada lamentablemente en México, la película permaneció cuatro día en cartel y suscitó en el acto violentas reacciones. Sindicatos y asociaciones diversas pidieron inmediatamente mi expulsión. La prensa atacaba la película. Los raros espectadores salían de la casa como de un entierro», contaría Buñuel poco antes de morir.

Solo unos pocos intelectuales mexicanos de izquierdas elogiaron la revulsiva obra, aunque esta pequeña minoría se tornó en una masiva aceptación cuando en el Festival de Cannes de 1951 obtuvo el premio del Jurado a la Mejor Dirección. A partir de ahí, la carrera del cineasta remontó un vuelo que parecía tristemente interrumpido desde los años de la Guerra Civil española.

Sinopsis: El Jaibo es un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro, al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos.

Él (1952)

Sobre esta película que Luis Buñuel rodó en 1953, el propio director reconoció que era la obra en la que había puesto más de sí mismo. A lo largo de casi medio siglo, «Él» ha sido interpretada como paradigma del amor loco, todo un prototipo de la paranoia y los celos. En las habituales filmografías hechas por los críticos, la obra fue ganando puntos hasta ser incluida entre los hitos de su trayectoria.

Celos, tacones y religión y surrealismo se mezclan en un cóctel al que Alfred Hitchcock, que siempre se mostro como un seguidor confeso del director aragonés, realizó un par de guiños de esta película en «Vértigo».

Sinopsis: Francisco Galván de Montemayor, un hombre adinerado de apariencia tranquila, conservador, religioso y virgen, como cada Jueves Santo asiste a la ceremonia del mandatum, el lavatorio de pies que el sacerdote efectúa con singular delectación. Al ver los sensuales pies de una joven sentada en primera fila se queda prendado de su serena belleza. Francisco logra averiguar que la mujer de sus sueños se llama Gloria y va a contraer matrimonio con un viejo amigo suyo. Tras invitarlos a una fiesta en su mansión, conquista a Gloria y se casa con ella. A partir de la misma noche de bodas, los celos lo transforman en un ser obsesivo y paranoico, que sólo ve el asesinato y la mutilación como una solución a su locura.

Ensayo de un crimen (1955)

Una de las películas más sorprendentes, divertidas e infravaloradas de Buñuel. En «Ensayo de un crimen (la vida criminal de Archivaldo de la Cruz)», el director aragonés lleva a juicio a la propia imaginación y sale absuelta. El protagonista realiza una confesión en «flash-back» a un juez, que le acusa de los crímenes cometidos en su imaginación. Tras escucharle, el juez le absuelve y le da un consejo: «La próxima vez rasúrese usted con máquina», ya que la navaja barbera con la que se afeitaba Archivaldo era el objeto que desencadenada en su imaginación el instinto asesino.

Buñuel se sirve de un hombre convencido de que es capaz de asesinar a varias mujeres con su pensamiento para soltar toda su mala uva y su humor, en una película donde el foco de la narración es la memoria del narrador-protagonista. De ahí que en su historia quede desdibujada la memoria entre lo vivido y lo imaginado, la realidad exterior y la visión subjetiva, el tiempo pasado, el presente y el futuro. El realizador apunta ya a su último y más maduro cine de «Belle de jour» (1967) y «El discreto encanto de la burguesía» (1972).

Sinopsis: Archibaldo de la Cruz ha visto en su infancia morir a su institutriz, alcanzada por una bala perdida, mientras él se escondía en el ropero de su madre. Ya adulto, la muerte de varias mujeres cercanas a él hacen que Archibaldo crea que es un asesino. Su único argumento es que él deseó todas esas muertes y que las mujeres terminaron siendo asesinadas. Interrogado por un juez, Archibaldo desvela su vida y las razones por las que piensa que debe ser juzgado. Desde su particular punto de vista, él es el verdadero culpable de todos esos crímenes.

Viridiana (1961)

La vuelta a España supuso una nueva obra maestra y la única Palma de Oro del Festival de Cannes que ganó. «"Viridiana” es el film más realista de Buñuel, el más claro en su significación, el más puro en su estilo y el más eficaz en su proyección», dijo el director francés George Franjul. Al régimen franquista no le gustó tanto y, de hecho, no se estrenó en España hasta después de la muerte de Franco.

¿Por qué se convirtió en un escándalo? La película había sido seleccionada para el Festival de Cannes y ganó la Palma de Oro de ese año. Sin embargo, «El Osservatore Romano», periódico del Vaticano, publicó al día siguiente un editorial en el que acusaba a «Viridiana» de blasfema y de reírse de la religión católica. Las protestas llegaron hasta el Gobierno español, que, además de censurarla, destituyó al director general de cinematografía que la había escogido orgulloso la Palma de Oro.

«Viridiana» era, efectivamente, una película libre y libérrima, pero que terminó siendo considerada una de las cotas más altas en la increíble trayectoria de Buñuel. Una película cuyo éxito depende más de la estética que de la moral –a pesar del corte de alguna escena por parte de la censura–, muy bien reflejada en la masa negra de mendigos al estilo de Goya o Zurbarán que pasean por las escenas, realzando el imaginario del director y confiriéndole un halo de inmortalidad. Una obra maestra que muestra escenas crudas, absolutamente desoladoras, como la de la violación de su protagoista.

Sinopsis: Don Jaime (Fernando Rey), un viejo hidalgo español, vive retirado y solitario en su hacienda desde la muerte de su esposa, ocurrida el mismo día de la boda. Un día recibe la visita de su sobrina Viridiana (Silvia Pinal), novicia en un convento, que tiene un gran parecido con su mujer.

El ángel exterminador (1962)

Se trata de una de las películas más conocidas de Buñuel, que presenta a un grupo de invitados que, tras disfrutar de la cena, no pueden irse del salón. Misteriosamente, sin saber porqué, se pasan días y semanas instalados en la casa de su anfitrión. La conducta civilizada se erosiona a medida que avanza la película y la prensa y la Policía intentan solucionar la extraña situación.

El objetivo del director era hacer una película acerca de una catástrofe, pero ubicándola en un lujoso entorno burgués. Con el comportamiento refinado de la aristocracia de fondo, el director lleva a los protagonistas hasta límites humillantes de degradación, mostrando, además, lo inexplicable de la situaciones de desgracia y la lucha contra ese impedimento desconocido. Una situación con la que Buñuel construyó una especie bomba de relojería contra su despreciada burguesía.

En esta película, el director utiliza, además, uno de los recursos más especiales que se hayan realizado en el cine: las repeticiones de secuencias. En muchas ediciones, estas secuencias se cortaron creyendo por error que constituían defectos de montaje, pero eran plenamente conscientes. Un ejemplo, es el momento en el que los invitados que vienen de la ópera entran en la mansión de Nóbile hasta en dos ocasiones, casi como si fuera el mismo plano, pero con sutiles diferencias.

Sinopsis: Después de una cena en la mansión de los Nóbile, los invitados descubren que, por razones inexplicables, no pueden salir del lugar. Al prolongarse la situación durante varios días, la cortesía en el trato deja paso al más primitivo y brutal instinto de supervivencia. Una parábola sobre la descomposición de una clase social encerrada en sí misma.

Bella de día (1967)

«Belle de jour» (según el título original» fue una de las películas más famosas y taquilleras de Buñuel, en la que cuenta la historia de una mujer burguesa que durante el día acude a un burdel, pero por las noches no consigue satisfacer sexualmente a su marido, ya que solo el masoquismo consigue excitarla. En ella, el director contó con Paco Rabal y trabajó por primera vez con Catherine Deneuve.

Con esta película –cuyo título hace referencia precisamente al nombre de un prostíbulo parisino– se abrieron apara Buñuel las puertas del cine comercial europeo. Varias de sus obras de esa fase serán coproducciones francoitalianas o italoespañolas.

En la película asistimos a la realización de las fantasías de Severine, donde, dentro de esa dicotomía de Buñuel entre la mujer virgen y la prostituta, el director consigue que el deseo sea el motor de todo, como casi siempre en el director: por un lado, la protagonista hace realidad sus deseos sexuales y, por otro, consigue que sus sueños se presenten como reales.

Sinopsis: Sévérine, una joven casada con un atractivo cirujano, descubre la existencia de la prostitución diurna. Impulsada por la curiosidad, ingresa en la casa de citas de Anaïs y termina acostumbrándose a llevar una doble vida. La aparición de Marcel, un delincuente que se enamora de ella, complicará la situación de la protagonista. En 2006 contó con una secuela, "Belle Toujours", dirigida por Manoel de Oliveira.

El discreto encanto de la burguesía (1972)

Otras de las mejores películas de Buñuel es, sin duda, «El discreto encanto de la burguesía», que trata de un grupo de personas que llegan a una cena, e incluso se sientan a la mesa, pero nunca pueden comer. se trata de una de las películas más surrealistas de su última etapa, cuya gracia esta en como el director interrumpe las comidas con los secretos que acechan bajo la superficie de su decadente aristocracia europea: idiotez, adulterio, tráfico de drogas, engaño, golpes militares o la alarma que provoca encontrar el cadáver del dueño del restaurante en el cuarto contiguo.

La película es otra acertada crítica de la institución que más despreciaba Buñuel, junto a la Iglesia. Tanto es así, que el director se permite el lujo de arrojar entre los protagonistas a un personaje secundario con el que hacer mofa de la misma jerarquía eclesiástica: un obispo cuyo fetiche es vestirse de jardinero y trabajar como sirviente en el jardín de los ricos. A pesar de la época, se convirtió en su película más famosa, con la que recaudó más dinero incluso que «Belle de jour», por la que ganó un Oscar a la Mejor Película Extranjera y que fue considerada la mejor del año por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine.

Se estrenó en un año en que las luchas estaban en pleno apogeo, en que la Guerra de Vietnam despertaba la indignación de amplios sectores de la sociedad y en la que la clase media alta se había convertido en objeto de desdén.

Sinopsis: Don Rafael Costa, embajador de Miranda, y el matrimonio Thévenot están invitados a cenar en casa del matrimonio Sénechal, pero a causa de un malentendido tienen que ir a un restaurante. Cuando llegan, no pueden cenar porque el dueño del lugar ha muerto. A partir de ese momento, las reuniones de este selecto grupo de burgueses se verán siempre interrumpidas por las circunstancias más extrañas, algunas reales y otras fruto de su imaginación.

El fantasma de la libertad (1974)

La penúltima película de Buñuel ha sido, a menudo, infravalorada por la crítica, a pesar de que era una de las favoritas del propio director: «El azar todo lo gobierna; la necesidad, que lejos está de tener la misma pureza, sólo viene más tarde. Si tengo debilidad por alguna de mis películas, sería por “El fantasma de la libertad”, porque prueba a salir sólo este tema», aseguró en 1983.

«El fastasma de la libertad» es una película de su etapa francesa, que fue coproducida entre Francia e Italia en 1974, y en la que los fantasmas habituales de su cine aparecen en todo su apogeo, retomando algunos temas propios del surrealismo. Dividida en 14 viñetas o capítulos, contiene incidentes cortos y escenarios recogidos a lo largo de la vida del propio Buñuel, que organiza la trama en una especia de estilo de juego surreal donde las ideas inconexas son enlazadas por encuentros del azar.

Un de las escenas más recordadas de esta obra es en la que el director lleva a pantalla el episodio de un sujeto que, en el verano de 1966, se subió a la torre de la Universidad de Austin y empezó a disparar indiscriminadamente contra los transeúntes. Una escena que, a lo largo de las décadas, se ha repetido en Estados Unidos en no pocas ocasiones.

Sinopsis: Serie de viñetas entrelazadas por un personaje o una situación que conecta una historia con la siguiente. Unos soldados franceses entran a la catedral de Toledo durante la invasión napoleónica. Un capitán besa la estatua de una mujer y destruye la de un hombre. En la época actual, un matrimonio se escandaliza con unas postales que muestran monumentos de París. Un hombre ve pasar unos animales por su cuarto. En una escuela de policías, un gendarme dicta una lección sobre las distintas costumbres antropológicas. Un asesino es dejado en libertad después de matar a 18 personas. Una multitud furiosa asalta un zoológico gritando lemas de la resistencia anti-napoleónica, mientras un avestruz mira directamente al espectador.