Actores de Costa de Marfil en «Fuenteovejuna, el coraje de las mujeres»
Actores de Costa de Marfil en «Fuenteovejuna, el coraje de las mujeres» - Festival de Almagro

«'Fuenteovejuna' conecta muy bien con la dignidad de la mujer»

Además de estrenar su texto «Siempre pícaros» en Salamanca, firma la dramaturgia de un «Fuenteovejuna» creado en Costa de Marfil y que estará en el Festival Internacional de Almagro

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El estreno de Siempre pícaros en el (F)Estival de Salamanca, a partir de un texto suyo inspirado en la novela picaresca no es el único proyecto inminente de José Gabriel López Antuñano. Otro le ha llevado recientemente a Costa de Marfil, donde se ha construido con actores de ese país un Fuenteovejuna con dramaturgia de este profesor de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León. La obra de Lope, aquí convertida en Fuenteovejuna, el valor de las mujeres, estará en el Festival Internacional de Almagro los días 12 y 13 de julio. Un proyecto «intercultural» con dirección compartida por Vagba Oboud de Sales y Luis Marqués.

—La obra es una coproducción con el Instituto Nacional de las Arte y de la Acción Cultural de Costa de Marfil. ¿Cómo surge un proyecto así en un país africano?

—La embajada de España en Costa de Marfil nos transmitió el gran interés por la lengua española y por representar obras del repertorio español. Nos pusieron en contacto con el INSAAC, que para entendernos, es el INAEM de allí, y planteamos, Ignacio García —director de escena— y yo un taller de teatro del siglo áureo en diciembre de 2018. Al finalizar, hablando con los responsables, vimos que era posible escenificar algún texto del repertorio español. La embajada y el AECID apoyaron desde el primer momento el proyecto; así como el Ministerio de Cultura de Costa de Marfil y el propio INSAAC.

—¿Por qué Fuenteovejuna?

—El drama de Lope de Vega conecta muy bien con una realidad de este país, la dignidad de la mujer. Este tema se encuentra en Fuenteovejuna. La lectura del drama en la versión se realiza desde esta perspectiva, eliminando la rebelión popular contra el Comendador y la sanación de los Reyes Católicos de ese acto. La comprensión de los actores y la acogida del día del estreno nos demostró que la elección había sido correcta.

—Escribe en la presentación de la obra para Almagro que han trabajado fundamentalmente sobre «la dignidad de la mujer y la igualdad», algo presente en el texto de Lope, pero potenciado. Además de tener un reparto paritario, ¿cómo lo han potenciado?

—En la versión el espectador encuentra la esencia del texto de Lope y algunas partes, traducidas al francés, pero no es Fuenteovejuna; de ahí que el título se complete con el «coraje», por la creencia de que cuando se interviene o adapta un texto hay que advertirlo al espectador. Las cuatro actrices son Laurencia; los cuatro actores son Frondoso y el gobernador, porque se pretende hablar de un drama, el de la mujer que sufre violencia por parte del hombre que ostenta alguna autoridad, y la rebeldía de ellas contra esta situación injusta, que los hombres no se atreven a afrontar. A la versión, se han incorporado también algunos textos, entresacados en el proceso de ensayos, que decían los intérpretes y que reflejaban situaciones lacerantes de mujeres u hombres; en primera persona o por persona interpuesta (la del actor).

—También dice que el trabajo «se ha enfocado desde la interculturalidad», ¿cuáles son los aspectos de la cultura marfileña representados?

—Siempre que ha sido posible encontrar elementos de la cultura de las diferentes etnias de Costa de Marfil, se han incorporado a la versión escénica, remplazando el texto original. Se trata de decir lo mismo, pero con un lenguaje más familiar para ellos, aunque perfectamente comprensible en cualquier país. Así se incorporan danzas, percusión, canciones, narraciones orales, cuentacuentos, que narran de otra manera la historia de Fuenteovejuna. En mi trabajo como dramaturgista, en buena parte realizado con Ignacio García como director de escena, me gusta conocer la cultura de las naciones donde se representará un clásico español, para mostrar una parte de nuestro gran patrimonio teatral inmerso en las tradiciones y cultura de los distintos países.

—¿Qué tiene este clásico para no perder vigencia ni detenerse ante hipotéticas fronteras culturales?

—Lo que posee cualquier texto o manifestación cultural «clásica», la capacidad para seguir diciendo al espectador de hoy cosas nuevas, porque son de siempre.