Museo Thyssen, engañar a las aves, engañar a los hombres

Aunque la capacidad por parte del pintor de tergiversar nuestra percepción visual se remonta como podemos ver a la Antigüedad clásica, ese relato cobraría gran popularidad durante el Renacimiento, continuando posteriormente en el Barroco y en periodos sucesivos para después palidecer tras el movimiento romántico, permaneciendo con una luz más débil pero visible dentro del imaginario artístico hasta llegar a nuestro tiempo, dejando bien claro una vez más que, como Platón decía, «todo lo que engaña, seduce».

Esa es también la línea conceptual que vertebra ‘Hiperreal. El arte del trampantojo’, una excelente, elaborada y compleja exposición organizada por el Museo Thyssen Bornemisza con la colaboración de la Comunidad de Madrid, comisariada por Mar Borobia y Guillermo Solana , al frente de un amplio equipo curatorial. Y he empleado conscientemente el término ‘conceptual’ porque, en contra de lo que aparentemente pudiera parecer, este viaje hacia los puros límites de lo real no es en absoluto un mero asunto de habilidad manual y ‘retiniana’, sino más bien una suerte de metarepresentación intelectual que desdibuja las fronteras entre realidad y ficción.

Más de un centenar de obras de distintos museos y colecciones particulares de todo el mundo plantean una revisión del género del trampantojo, mostrando y demostrando cómo a lo largo de su historia la pintura ha tratado siempre de crear obras que engañaran a la percepción, provocando en nuestra mirada un efecto de falsa realidad, mediante el uso de la perspectiva, la óptica, el escorzo o los ambiguos efectos lumínicos. Al final, el pintor no sólo burla a los pájaros sino también a nosotros mismos, los espectadores. Ese es el juego al que el trampantojo, un término que significa trampa o ilusión con que se engaña a alguien creyéndole hacer ver lo que realmente no es, y que procede del francés ‘trompe l´oeil’, nos invita y nos incita a participar.

La selección de obras y autores es ciertamente notable, incluyendo un fragmento de mosaico romano y nombres tan destacados como Jan Van Eyck, Crivelli, Andrea Mantegna, Arcimboldo, Sánchez Cotán, Seghers, Heda, Crespi, Chardin, Füssli, Paret y Alcázar o Dalí, por citar algunos. Y un apunte de desazón: entre todos ellos sólo dos pintoras: Clara von Sivers e Isabel Quintanilla.

Uno de los aciertos de esta muestra es el de no presentar las obras ordenadas por criterios cronológicos sino atendiendo a características temáticas, técnicas e iconográficas, para dejar así bien patente la pervivencia de un género como este que ha recorrido estilos, movimientos y siglos.

La exposición se divide en ocho capítulos que reflejan las diferentes y plurales posibilidades de plasmación de este género. ‘Puesta en escena’ se centra en el bodegón, uno de los temas más adecuados para caer en las engañosas redes de la percepción. ‘Figuras, encuadres y límites’, así como ‘Huecos para curiosos’ versan sobre la ruptura del plano a través del ilusionismo óptico. ‘Muros fingidos: tablones y paredes’ nos habla de la habilidad del pintor en la plasmación de determinados objetos. ‘Desorden perfecto’ es un buen ejemplo de los ‘quodlibet’, un subgénero que recoge la miscelánea y la memorabilia del propio mundo cotidiano del artista.

‘Llamada a los sentidos’ recurre a composiciones que emplean la representación de esculturas y flores por medio de la técnica de la grisalla. ‘Renovación americana y su estela’ se consagra a la renovación de este género en la pintura americana de los siglos XIX y XX, en un momento en el que ya podía percibirse una cierta decadencia en Europa. Por su parte, ‘Trampantojo moderno’, uno de los capítulos más atractivos de este proyecto, muestra de qué manera no ha perdido su vigencia y continúa gozando de buena salud creativa en los siglos XX y XXI.

Junto a estos apartados que concitan un completo panorama de esta vocación de extrema -y ambigua- realidad en la pintura de occidente, la muestra presenta una espléndida obra realizada ex profeso por Isidro Blasco. ‘Tren elevado en Brooklyn’ (2022) es un ‘collage’ tridimensional característico de este artista, que combina foto, escultura y arquitectura, y que sirve como adecuado final para el magnífico proyecto al reflexionar desde la contemporaneidad sobre la milenaria dialéctica realidad versus representación.