El «jaque a la reina» de Laura Torrado

Torrado, artista visual y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, trabaja desde la noción de que el cuerpo es el primer lugar de la experiencia y también como un ámbito de registro. Bajo estos principios y de una manera sugerente y libre, ha desarrollado las piezas de esta muestra a partir de diferentes técnicas y lecturas ; además espera que el público pueda extraer sus propias conclusiones.

Jaque a la reina , que se ha prorrogado hasta el 7 de noviembre en la galería, se concibe como un trabajo site-specific desplegado por medio de instalaciones, foto, un vídeo, piezas de porcelana, aguadas sobre papel japonés y un cuaderno de apuntes, a modo de documentación.

¿Qué simboliza el nombre de la exposición?

Desde muy pequeña me interesa el juego del ajedrez. Cada movimiento allí se articula con la finalidad de atacar al contrario y al mismo tiempo salvaguardar al rey. Y en esa coreografía sobre el tablero, la reina es la que puede desplazarse en todas direcciones, es la gran defensora y protectora de una figura bastante limitada en sus movimientos. Por lo general, cuando te comen a la reina has perdido la partida. Me parece curioso, pero sobre todo necesario, imaginar otro juego, otra sociedad, en la que se proteja y se defienda a la reina.

¿Cuáles fueron los principios que más le interesaba representar?

Me interesaba trabajar e investigar sobre el erotismo femenino; cómo se construye y se representa; bajo qué parámetros y estereotipos; qué mirada nos pertenece; si es que hay alguna y cuál es culturalmente importada. Complicado y apasionante. Una investigación que llamo «de largo recorrido», en un tema complejo como se aprecia en el vídeo Jaque a la reina (éxtasis) y en la instalación fotográfica Sin título (a Molinier) .

¿Es la representación del cuerpo femenino en el arte contemporáneo una forma de construir nuevas ideas o estructuras sobre el mismo?

A través de estas representaciones del cuerpo femenino se escriben otros relatos, otras narrativas que aportan nuevas maneras de construirnos, de pensarnos; de vernos y mirarnos como individuos y como sociedad. El arte ofrece la posibilidad de hacer más plásticos los límites, esas las fronteras de nosotros mismos.

¿Qué cambios visualiza en la manera de representar el cuerpo femenino en la actualidad? ¿Considera que el feminismo en el arte es un tema que se ha deconstruido?

Se necesita de pluralidad a la hora de representarlo. Creo que el feminismo está en permanente construcción y revolución.

¿De donde nace la idea de trabajar sobre la idea del cuerpo femenino desde diferentes disciplinas y cuál es la técnica que mejor se adapta a sus ideas?

Siempre he desarrollado mi obra en diferentes soportes en paralelo. Cada lenguaje permite activar narraciones en tiempos diferentes. Me parece muy interesante abordar las líneas de trabajo de esta manera. El cuerpo femenino siempre ha estado presente como lugar autobiográfico, narrativa recurrente, compleja y poliédrica. Cada técnica permite relacionarte de manera diferente con el material, con la idea, con la narrativa. Frente a la inmediatez de la fotografía, el vídeo o la performance, se encuentra la cadencia del dibujo y la escultura cerámica.

¿Cuáles son sus mayores influencias?

Mis influencias son artísticas, teóricas y literarias. A lo largo de la trayectoria han ido surgiendo figuras compañeras de viaje. Aalgunas permanecen, otras desaparecen. Y en ellas, en ese calado artístico y poético, se consigue atisbar la grandeza del ser humano.

Sobre el vídeo «Jaque a la reina» que se proyecta en la muestra, ¿qué reflexión le produce y cómo llegó a construir esta idea?

El video Jaque a la reina (éxtasis) es un acercamiento a la construcción del erotismo femenino. Dgamos que es una deconstrucción, un interrogante más que una respuesta. La exposición, sobre todo algunas piezas, se presenta en clave de pregunta: me interesa que exista un ejercicio de introspección, que la persona espectadora no obtenga una respuesta evidente ni rápida, que la respuesta venga luego, o que no exista una respuesta. Es trabajar desde una perspectiva abierta, en cierto modo ambigua, sin posicionamiento hacia un lado u otro, cosa difícil de asumir en el contexto artístico en la actualidad, ya que al artista se le exige un posicionamiento acorde a las políticas, a lo políticamente correcto. Y el artista debe huir permanentemente de ese lugar.

La exposición gira en torno a la corporalidad. ¿Cuál es el reto o las dificultades de plasmar este concepto?

Trabajar con el cuerpo o desde el cuerpo es complejo y peligroso, ya que es un lugar común.