Clara Peeters: la mesa está servida

La naturaleza muerta es un género que invita a reflexionar sobre las cosas menudas . En el barroco, su momento supremo, el bodegón era considerado un género menor. Pocos creían que una obra dedicada a objetos inanimados pudiera suministrar una experiencia estética similar a la que ofrecen los personajes humanos o divinos. El arte aspiraba a aclarar las cosas –la reflexión sobre la transitoriedad de la existencia, el tema barroco por antonomasia, respondía a la necesidad de acrecentar la conciencia de lo que el hombre se juega en ella, no a cuestionar su sentido– y el contenido era esencial. Aunque los encabritados corceles de los retratos ecuestres estén tan quietos como las ostras de los bodegones, el espectador de la época daba por buena la ilusión.

Ello no impidió que los autores sobresalientes, los que no simplemente desempeñan un oficio, fueran más lejos transformando sus bodegones en alegorías . Algunos añadieron incluso figuras. Peeters lo hace, por ejemplo, en un autorretrato donde luce sus encantos vestida de cortesana junto a una mesa con florero y joyas sobre la que flota una pompa de jabón, símbolo de la fragilidad de la vida.

Salvo en Holanda y los Países Bajos, un cuadro solía ser en el siglo XVII un objeto de lujo. La prosperidad de que gozaban aquellos territorios hizo que floreciera la producción en general y esto afectó también a la pintura acercándola a nuevos clientes . Escenas costumbristas, paisajes y bodegones no estaban destinados a palacios y templos, sino a las casas burguesas. Contemplar las alegrías de una próspera cotidianidad satisfacía a quienes disfrutaban de ella, y las naturalezas muertas congelaban la riqueza .

El bodegón flamenco, suntuoso y excesivo (nada que ver con el español), soporta mal la compañía, no es pintura de museo. Uno se cansa pronto de mirarlos . Demasiadas cosas, al menos para nosotros, herederos de una estética bulímica que hizo de la eliminación de elementos un axioma. Afortunadamente para quienes acudan al Prado , Clara Peeters sabe recompensar al espectador atento con detalles de ingenio que mantendrán su curiosidad . Los más conocidos son firmar en lugares insólitos (el mango del cuchillo de « Mesa », uno de los cuadros propiedad del museo) o dejar su reflejo miniaturizado en los objetos metálicos (el pitorro de la jarra del «Bodegón con quesos, almendras y panecillos»).

A veces, el reflejo no es uno, sino muchos, y hay que esforzarse para encontrarlos todos, como sucede en « Bodegón con flores, copas de plata dorada... », el cual contiene seis autorretratos, cuatro en la jarra y dos en el copón . Menos fácil de advertir son los propósitos alegóricos de las obras, por ejemplo las alusiones a la sexualidad y el matrimonio en «Bodegón con flores, copas doradas, monedas y conchas»: el capullo y las conchas, por un lado, y las monedas y las cadenas encima del plato, por el otro. Que los reflejos de la autora (con los pinceles y la paleta en la mano) estén en el copón situado en segundo plano acaso sea una alusión a su experiencia conyugal , un tema que hará las delicias de quienes acostumbran a llenar los vacíos de la Historia con sus propios dogmas.

Rodchenko , padre del constructivismo, escribió a principios del siglo XX que la abstracción «es lo que ocurre cuando se reduce la pintura a su conclusión lógica». Por aquel entonces muchos artistas encontraban necesaria tal reducción. Para ellos lo esencial en pintura ha de ser el arte, no la vida. El bodegón, salvo como experimento plástico, al estilo de Morandi , era la quintaesencia de lo retrógrado. Hoy las cosas parecen ir cambiando. El realismo, cierto realismo, vuelve a estar de moda . La exposición del Prado lo demuestra. ¿Por qué razón habría que reducir la pintura a nada, y menos a su conclusión lógica?