El MoMA vuelve a cambiar de piel tras una ambiciosa ampliación

Desde la construcción en esa manzana de su primer edificio, el cubo modernista que en 1939 levantó la firma Goodwin-Stone, el MoMA ha sufrido renovaciones y ampliaciones periódicas: durante los 50 y 60, las dirigió Philip Johnson; Cesar Pelli tomó el relevo en los ochenta; y Yoshio Taniguchi firmó la última gran transformación, hasta la que ahora se inaugura, en 2004.

El nuevo MoMA, que abre sus puertas al público el próximo 21 de octubre , es fruto de una colaboración de los estudios Diller Scofidio + Renfro y Gensler . Un proyecto descomunal que añade cerca de cuatro mil metros cuadrados de superficie expositiva y que cambiará la forma en la que se organizan su colección y sus exposiciones. La expansión y transformación del MoMA ha costado 450 millones de dólares (cerca de diez veces el presupuesto anual del Museo Reina Sofía, su equivalente en España) y se deja ver desde que se pasa por su nuevo alerón metálico en la entrada.

El vestíbulo se ha ampliado, tanto en superficie como en altura, comiéndose parte de lo que era el primer piso del museo para dar mayor amplitud. La idea, según explicaba ayer a ABC la arquitecta del proyecto, Elizabeth Diller , en los pasillos del museo, es que funcione «como un nuevo espacio cívico». Es una plaza cubierta, con acceso al jardín de esculturas , con dos galerías abiertas al público sin necesidad de pasar por caja -la entrada cuesta 25 dólares- y con mayor conexión visual con el resto del museo. La tienda está ahora hundida en un piso inferior, pero conectada con el vestíbulo, con un diseño impecable y brillante, como una tienda de Apple. Esa es una de las críticas que ha recibido el diseño de la ampliación, que en algunas partes tiene un aspecto corporativo. El crítico de arquitectura de «The New York Times» lo ha calificado de «inteligente, quirúrgico, extenso y un poco sin alma».

Quizá el mayor cambio tiene que ver con una simple cuestión de tamaño. La ampliación ha permitido reorganizar el museo y su colección permanente, la más importante en arte moderno y contemporáneo del mundo, además de dotarle de nuevos espacios para instalaciones, performances y artes escénicas . El nuevo MoMA es un museo más horizontal , después de haberse comido y derribado a su vecino, el American Folk Art Museum -«fue una decisión dura, pero inevitable», dice Diller- y de ganar más espacio en las primeras cinco plantas de un rascacielos de Jean Nouvel.

La colección permanente se desparrama ahora con más amplitud, «y eso les da a los comisarios mucha flexibilidad». El director del MoMA, Glenn Lowry , aseguraba ayer a los medios que el museo «se había conformado en una forma de enseñar el arte» y que la expansión rompe ese patrón. La formas pasadas eran siguiendo los ismos de la historia del arte (impresionismo, cubismo, expresionismo abstracto) de forma cronológica. Ahora el recorrido no pierde del todo el sentido cronológico, pero se intoxica con temáticas diferentes, con invitaciones a artistas de otras épocas a dialogar con grandes piezas, con mayor diversidad racial y de género de los artistas o con mayor presencia de disciplinas como la fotografía, la escultura y el vídeo.

El mejor ejemplo es la espectacular sala de «Las señoritas de Aviñón», de Picasso , una obra emblemática en la ruptura del arte moderno, que conversa con otro cuadro de grandes proporciones, «American People Series», de Faith Ringgold , una artista negra del Bronx. La conexión en el tono rosa es evidente, pero también en la violencia y en las relaciones de poder que destilan. Es el más evidente de los diálogos novedosos que introduce el MoMA, que ha tirado muros físicos para romper moldes en la forma de presentar el arte.