Las «Rimas» de Miguel Ángel Buonarroti

Pero, pese a la clarividencia de Berni, la valoración de la poesía de Miguel Ángel no fue ni mucho menos inmediata, sino que se ha hecho esperar , y hasta la edición crítica de Karl Frey en 1897, que permitió un primer acercamiento, y la de Matteo Rosidori en 1998, no se ha dispuesto de un corpus lo suficientemente bien fijado como para que tuviera la necesaria fiabilidad.

Ahora que este indispensable requisito textual se cumple, la poesía de Miguel Ángel aparece tal cual es en sí misma, despojada de las malas lecturas, interpolaciones y adherencias que la desvirtuaban , y enriquecida e iluminada por las aclaraciones de no pocos puntos oscuros que los estudios de Rosidori, Baratto y Guasti han logrado explicar.

Por eso mismo hay que reconocer la intuición de Walter Pater , que, en 1878, reivindicó el valor de las Rime, que nos descubren un poeta doblado de pintor y escultor a la vez , que establece un diálogo entre las diferentes artes en un discurso metapoético y metaartístico que, impregnado de neoplatonismo florentino, enlaza con Dante y con Petrarca y mantiene viva la tradición del trobar clus: «Así como en la pluma y en la tinta / el alto con el bajo estilo existe, / en folio o mármol, rica o vil se viste / la forma, según quien la talla o pinta».

Manuel J. Santayana –cuya versión es digna del máximo elogio por el virtuosismo formal con que ha trasladado los textos sin perder su literalidad– describe muy bien lo que estos poemas representan en la vida del hombre maduro que los compuso y escribió: la «agónica torsión del intelecto y de la voluntad» de un ser en cuyo estado mental se juntan «el amante platónico, el cristiano penitente y el artista» en lucha con una materia en rebeldía , que le opone una intensa resistencia que él, con su expresión, debe vencer.

Miguel Ángel tiene un claro concepto de la estrofa y utiliza varias con gran dominio técnico , pero a veces hace como una silva de ellas, mezclándolas en sonetos con doble estrambote, con una sintaxis manierista, en ocasiones muy dificultosa, que, en su confesionalismo, aquí muy abundante, introduce giros propios de la lengua toscana de su época y sigue el sistema de oposición de los contrarios en que encuentra la formalización de su dialéctica. Pero lo que más se admira no es su retórica, sino su tono y su voz: la progresión de su desnudamiento y ese vivir angustia y muerte , que constituyen el fluido lírico de un alma que él hace hablar aquí.

Próximo a veces a Quevedo –como en XCVII– y con la estructura de los silogismos, su escritura se vuelve más íntima en el arrepentimiento del pecado y en la vivencia de la temporalidad, llegando a ser moral y religiosa, y adelantando las construcciones nominales de Manuel Machado y Jaime Gil de Biedma : «No ver, nada sentir, me es gran ventura. / ¡Baja la voz! Que nadie me despierte».